Princesa daruma
La Princesa Daruma (Hime Daruma) se inspira en la primera emperatriz de Japón, Jingu.
La emperatriz consorte Jingu se convirtió en emperatriz después de la repentina muerte de su esposo, el emperador Chuai. Y a pesar de estar embarazada, fue a la batalla y atacó el antiguo reino coreano en Silla, que se dice que se rindió sin luchar.
Las muñecas Princesa daruma están todas hechas a mano por artesanos.
Hay dos tipos de muñecas Princesa daruma. Puede parecer que hay muñecos masculinos y femeninos, pero en realidad ambos son la Emperatriz (mujeres). La del kimono rojo es la Emperatriz mientras está embarazada. Se dice que la del kimono oscuro es la Emperatriz que usa ropa de hombre cuando va a la batalla.
Según la historia, la muñeca es un símbolo de crecimiento y felicidad en Japón desde hace mucho tiempo. En Japón se regala para bodas, cumpleaños e inauguración de la casa. Se dice que trae felicidad.
La muñeca Princesa daruma que lleva el kimono rojo es un talismán para las oraciones relacionadas con el parto fácil y para el matrimonio, mientras que la versión oscura es popular para las oraciones relacionadas con la victoria, etc.
Como se cree que traen buena fortuna, en la antigüedad, las muñecas Princesa daruma se podían encontrar decorando todas las casas de la prefectura de Ehime.
Alrededor del período Edo, la ropa de las muñecas se confeccionaba junto con el torso, a partir de madera, pero a partir de mediados de la década de 1950 (Showa 30), la ropa se convirtió en el actual brocado de oro (una pieza de tela lujosamente hermosa en la que se tejen los patrones adentro usando papel dorado o hilo dorado).
Cuando el actual emperador se casó, este es el regalo que envió a la casa de Su Alteza Real Michiko se convirtió en un tema muy comentado.
Muñeca Hachijojima
La figura muestra a una hilandera de seda con un kimono tejido con Honba Kihachijo. Gracias a la ayuda de nuestra amiga Ayaka Niki, que nos tradujo el nombre de la placa, pudimos desvelar la historia que se esconde en esta artesanía. En ella se indica el nombre de Hachijojima.
Hachijojima es una isla a situada 287km de Tokio, con un clima subtropical muy agradable, que hace que sea un destino elegido por muchos japoneses de las ciudades para relajarse.
En esta isla se produce una seda conocida como Honba kihachijo; una tela de seda con patrones de rayas y cuadros teñidos principalmente en amarillo brillante llamada Kihachi.
La característica distintiva de esta tela es que está tejida a mano en tres colores, amarillo, negro y abedul (amarillo rojizo) por hábiles artesanos con técnicas de teñido, que según dicen, no se desvanece hasta la generación de los nietos.
Se cree que los tres colores fueron los únicos tintes vegetales que se pudieron obtener en el duro entorno natural de la isla y provienen de plantas y árboles autóctonos de la isla.
Historia
La tela de seda en la isla Hachijojima, se remonta a finales del período Heian. La tela se utilizaba para pagar impuestos territoriales, en lugar de cultivos. El pago de tributos con la tela continuó hasta el año 1909, cuando el sistema de impuestos de pago con rendimiento de la cosecha se cambió por el de pagar impuestos en efectivo.
Al principio, solo los señores feudales y aristócratas usaban telas de seda de alta calidad de la isla de Hachijojima en el palacio interior. Con el paso del tiempo, se hicieron populares entre los plebeyos.
Se cree que evita las impurezas, el color amarillo se usaba como amuleto para mantener alejados a los espíritus malignos y protegerlos de cualquier daño. Se dice que las telas amarillas lisas de Hachijo eran especialmente populares entre los médicos, lo que hacía que las telas fueran de alto valor y difíciles de obtener. Las telas iniciales eran de color amarillo liso o blanco, lo que se conocía como seda Hachijo. La adopción de tintes de abedul y color negro permitió tejer telas a rayas y cuadros que se llamaron rayas Hachijo. En 1977, Honba Kihachijo, un exquisito textil tejido a mano por mujeres en la isla Hachijojima que sustentaba la economía de la isla como un producto especializado, fue designado como artesanía tradicional nacional.
Fuentes:
https://www.hachijo.gr.jp/specials/kihachijo/
www.gotokyo.org
Muñecos takasago
Muñecos Takasago
Los muñecos Takasago simbolizan la longevidad y la armonía de una relación matrimonial. El motivo es una pareja de ancianos, espíritus de Aioi no Matsu, un fenómeno donde los pinos masculinos y femeninos ("matsu") crecen entrelazados. El Aioi no Matsu simboliza así un fuerte lazo conyugal. En Japón, estas muñecas son populares como regalo de compromiso y también en ocasiones propicias.
El drama de Noh "Takasago"
La historia de Takasago es un popular drama noh (tipo de teatro clásico japonés) sobre dos pinos que fueron plantados por los kami (deidades sintoístas) de la misma semilla. Uno está en Takasago y el otro en Sumiyoshi.
Un sacerdote sintoísta que visita Takasago se encuentra con una pareja de ancianos debajo del pino Takasago y les pregunta por el árbol. Le dicen que está relacionado con el de Sumiyoshi, y que el hombre viaja entre los dos lugares para cuidar los árboles y estar con su amor. La distancia entre ellos es insignificante, porque sus corazones son los mismos. También le dicen que los pinos son especiales, porque no cambian. Donde otros árboles se vuelven marrones y pierden su follaje en el otoño, los pinos permanecen siempre verdes.
Luego, el sacerdote le pregunta a la pareja sus nombres, y ellos revelan que en realidad son los espíritus de los pinos Takasago y Sumiyoshi temporalmente en forma humana.
El sacerdote se reencuentra con la pareja en Sumiyoshi y tienen un festín para celebrar la relación entre humanos y kami.
La anciana está usando una escoba para barrer los problemas y él lleva un rastrillo para rastrillar lo bueno.
En japonés, esto también es un juego de palabras con "Cien años" (haku> barrer el piso) y "hasta 99 años" (kujuku made> kumade, que significa rastrillo).
La bondad de las muñecas Takasago es exquisita en todos los aspectos.
Ciudad de Takasago
La ciudad de Takasago se encuentra en la prefectura de Hyogo, en el oeste de Japón. Está sinterizada en el mar interior de Seto, aproximadamente a 40 kilómetros al oeste de Kobe. El asentamiento que se convirtió en la ciudad de Takasago se estableció en el delta en la desembocadura del río Kako. Esta formación fluvial dio origen al nombre de "taka" "sagú" que literalmente significa "arena alta", una referencia a las grandes cantidades de arena depositadas en la desembocadura del río Kako.
Takasago es bien conocido como el lugar de nacimiento de la canción clásica "Yookyoku Takasago", que es una famosa canción de bodas en todo Japón, por lo que la ciudad fue declarada como "La ciudad nupcial de Takasago" en 1988.
Takasago en las bodas
En Japón, en las ceremonias de boda, las figuras de Takasago se colocan en un "estante de la isla" especial llamado Shimadai (Shimadai) junto con auspiciosos adornos de pino-bambú-ciruela y grulla con tortugas colocados en la sala de bodas.
Las representaciones de las figuras de Takasago pueden estar hechas de laca, cerámica, tallas de madera y textiles y son para invocar una vida matrimonial larga y fructífera para los recién casados o 50 o más años. Para el aniversario de bodas de diamantes de 60 años, algunas comunidades también dan los muñecos Takasago para la feliz pareja.
Estas figurillas están hechas con mucho cuidado y son bastante caras, según convenga a la ocasión. Habitualmente se coloca el anciano a la izquierda y la anciana a la derecha (mirándolos de frente). Esta es la posición tradicional de una pareja en una boda de la nobleza. Pero últimamente, en las bodas, la novia se coloca del lado derecho. ¿Quizás esta es una copia de la posición de la pareja real inglesa? El asiento de la derecha ha sido el "Asiento Elevado" para la persona más noble de la sala. Entonces, ¿tal vez la posición de la novia ha cambiado de esta manera? Solo podemos preguntarnos quién es la persona más importante en una boda.
El novio dice: "Vivirás hasta los cien (haku hecho> usando la escoba), yo viviré hasta el noventa y nueve (kujuku hecho> kumade> usando el rastrillo), juntos viviremos felices hasta que nuestro cabello se vuelva blanco".
Se cree que la leyenda de Takasago es una de las más antiguas de la mitología japonesa. Se dice que la pareja de ancianos aparecen en el brumoso lago de Takasago. Suelen verse muy felices, conversando junto a un pino, lo que significa que son una pareja que vive en perfecta armonía.
Debido a que son espíritus que viven en el árbol, se los ve en las noches de luna llena cuando regresan en forma humana para volver a visitar el lugar de su felicidad y continuar su trabajo de recolectar agujas de pino. La anciana usa una escoba para barrer problemas y el hombre lleva un rastrillo para acumular buena fortuna.
La ropa a veces está adornada con imágenes de Tsuru (grullas) y MinoGames (tortugas con una cola larga hecha de algas). Estos animales son símbolo de buena fortuna y longevidad. Por ello se regalan los muñecos Takasago como regalos de boda.
En la fotografía de la izquierda, kakemono con la representación de la pareja takasago.
En las imágenes de abajo, detalles de las tortugas monógamas, grullas e imagen de la pareja.
Fuentes:
www.darumamuseum.blogspot.com
www.mataro-doll.com
www.thewillowweb.com
www.soulportals.com
Mokuhanga
¿Qué el mokuhanga?
Se trata de la impresión en madera que se utiliza en Japón (木 版画, moku-hanga). Se puede reconocer porque al inspeccionar una lámina por el dorso, pueden notarse las "manchas" de la tinta.
Es una técnica conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e de hojas sueltas, pero también se usó para imprimir libros en el mismo período.
Tiene su origen en China, donde se utilizó para imprimir libros durante siglos, y llegó a Japón en el periodo Edo (comprendido entre los años 1603 y 1868).
En esta técnica se utilizan tintas a base de agua, por ello se obtienen colores tan intensos y expresivos.
御油 旅人留女 （ごゆ たびびととめおんな）Goyu, Tabibito Ryujo.
Autor Utagawa Hiroshige
•
Dos mujeres intentan atraer u obligar a dos viajeros a que entren en su posada. A
la derecha, otra mujer observa la situación a pie de calle.
En otra posada, una mujer se dispone a lavar los pies de un viajero y una joven
con cara de aburriendo y tristeza, está absorta en sus pensamientos.
En los carteles que cuelgan se puede leer el nombre del editor, del artista y del
grabador.
Aunque puede parecer una lámina impresa en realidad es impresión en madera o
mokuhanga, una técnica de origen chino que llegó a Japón en el periodo Edo y se utilizó sobre todo para el género artístico ukiyo-e de hojas sueltas, aunque también para impresión de
libros.
Si quieres conocer más sobre esta técnica, aquí en Zaragoza tenemos a una experta
en la materia @fabiola_gil_estudio, con quien podrás aprender más sobre esta
técnica. Tiene un taller e imparte cursos varias veces al año.
Si te interesa conocer más sobre el arte japonés y sobre ukiyo-e, no dejes de
asistir a alguna conferencia de David Almazán. Te
enamorará.
Si te gusta el arte oriental, en el Museo de Zaragoza existe una coleccion
excepcional de arte de Asia oriental, llegada por Federico Torralba que merece una visita.
Si te gusta la cultura japonesa y no eres de Zaragoza, ya te hemos dado más
motivos para que vengas 😉.
Toshusai Sharaku, retratista de actores de kabuki en xilografía japonesa
Moku-hanga, impresión en madera
La impresión en madera en Japón (木 版画, moku-hanga) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e de hojas sueltas, pero también se usó para imprimir libros en el mismo período. La impresión en madera había sido utilizada en China durante siglos para imprimir libros, mucho antes de la llegada del tipo móvil, pero fue ampliamente adoptada en Japón durante el período Edo (1603-1868).
A diferencia de la tradición occidental, donde los artistas usaban tintas a base de aceite para grabar en madera, la técnica moku-hanga usa tintas a base de agua. Es por eso que esas impresiones tenían colores tan vívidos, así como esmaltes y transparencias.
Ukiyo-e, pinturas del mundo flotante
Se llama ukiyo-e a los grabados que se realizaron en Japón a partir del siglo XVII. El ukiyo-e como género es una de las manifestaciones artísticas más importantes y que más ha trascendido las fronteras y el tiempo. Por su parte, el ukiyo-e se nos presenta como un testigo excepcional de las costumbres y modos de vida de la sociedad japonesa del periodo Edo.
Las obras de ukiyo-e se realizaron en xilografía o grabado en madera (moku-hanga).
En japonés, la palabra ukiyo-e se compone de tres kanji: "uki", que significa flotante; "yo", que se traduce como mundo y "e", que se utiliza para pintura. La traducción sería “pinturas del mundo flotante”. El término procede del budismo y, en su origen, se utilizaba para referirse de forma peyorativa al mundo ilusorio y efímero que es necesario trascender para alcanzar el conocimiento. Así, el ukiyo-e describía el estilo de vida urbano contemporáneo que se centraba en experiencias efímeras que enfatizaban el ingenio, la extravagancia y el hedonismo.
La técnica del ukiyo-e
El precursor del ukiyo-e fue Hishikawa Moronobu. En sus comienzos artísticos, dibujaba grabados en tinta negra como ilustraciones para libros. Progresivamente perfeccionó esta técnica en grabados de madera de una sola pieza en tinta negra lo que resultó en la colocación de la base para el futuro desarrollo de ukiyo-e.
Algunos de los artistas más relevantes, y también conocidos en occidente del ukiyo-e, son: Hiroshige, especialmente por el tratamiento que hace de a figura de la mujer; Hokusai, que destaca en el tratamiento de los colores en sus paisajes; Kuniyoshi, por los temas que refleja en su obra; Utamaro, de quien son muy populares sus grabados del género shunga y Sharaku, el gran retratista de los actores kabuki de su época.
El kabuki es una forma de teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores.
El autor, Tōshūsai Sharaku
Trabajó en Edo en 1794/95. La obra del xilógrafo Sharaku es tan genial como misteriosa y enigmática su vida, sobre la que apenas sabemos nada. Surgió de la oscuridad de la historia, trabajó sólo durante nueve meses, dejó 144 obras y volvió a desaparecer sin dejar huella. Quizá fuera un actor de NO perteneciente a la compañía privada de un señor feudal. Junto a algunas representaciones de luchadores, realizó casi exclusivamente retratos de actores del kabuki, retratos de medio cuerpo y escenas con una o dos figuras que fueron fomentadas y editadas por el editor de mayor éxito de la época, Tsutaya Juzaburo. Características de él son los okubi-e sobre un oscuro fondo brillante, a veces matizado, que presentan cabezas caricaturescas recordando vagamente a los trabajos de Shunsho y Toyokuni. La expresión de los rostros con muecas, que a menudo raya en lo grotesco, y el dramatismo insinuado con sobrios gestos, no sólo ponen de relieve el carácter de cada personaje, sino que también describen los rasgos individuales del actor. El intenso trazado de la línea y el uso acertado de los contrastes cromáticos, aprovechan todas las posibilidades técnicas de la cromoxilografía. Si con sus retratos hiperrealistas a menudo poco favorecedores, terminó por ganarse la desaprobación del público y el odio de los actores, no es más que una leyenda aunque podría explicar de forma plausible su repentina desaparición. Cierto es que el público japonés no estaba preparado para el realismo penetrante de Sharaku y su caricatura psicológica, revolucionarios para el ukiyo-e, de ahí que pudieran ser responsables de su cortísima carrera.
Centrándose en los retratos de busto, Sharaku creó representaciones audaces y estilizadas de actores de Kabuki. En este retrato, Ichikawa Omezō I (1781-1833), un discípulo de Danjūro V, interpreta a un guerrero llamado Yakko Ippei que no tuvo éxito en su intento de derrotar a su enemigo. En su túnica, el carácter de "O" en Omezō aparece en el centro del escudo de la familia Ichikawa de tres cuadrados anidados.
El actor Ichikawa Omezō está parado aquí en una pose dramática (mi-e) con los ojos cruzados, en el papel del bribón (yakko) Ippei, obligado a luchar solo contra una banda de atacantes. La escena es de la obra de teatro Koinyobō somewake tazuna (“Amada esposa manejando las riendas de los colores variados”), que se estrenó en el quinto mes del año 1794 en el Kawarazaki-za en Edo.
Fuentes:
www.ukiyoe-japan.com
www.japonnoyokan.es
www.museodelprado.es.
http://revistacultural.ecosdeasia.com.
Princesa daruma
La Princesa Daruma (Hime Daruma) se inspira en la primera emperatriz de Japón, Jingu.
La emperatriz consorte Jingu se convirtió en emperatriz después de la repentina muerte de su esposo, el emperador Chuai. Y a pesar de estar embarazada, fue a la batalla y atacó el antiguo reino coreano en Silla, que se dice que se rindió sin luchar.
Las muñecas Princesa daruma están todas hechas a mano por artesanos.
Hay dos tipos de muñecas Princesa daruma. Puede parecer que hay muñecos masculinos y femeninos, pero en realidad ambos son la Emperatriz (mujeres). La del kimono rojo es la Emperatriz mientras está embarazada. Se dice que la del kimono oscuro es la Emperatriz que usa ropa de hombre cuando va a la batalla.
Muñeca Hachijojima
La figura muestra a una hilandera de seda con un kimono tejido con Honba Kihachijo. Gracias a la ayuda de nuestra amiga Ayaka Niki, que nos tradujo el nombre de la placa, pudimos desvelar la historia que se esconde en esta artesanía. En ella se indica el nombre de Hachijojima.
Hachijojima es una isla a situada 287km de Tokio, con un clima subtropical muy agradable, que hace que sea un destino elegido por muchos japoneses de las ciudades para relajarse.
Muñecos takasago
Muñecos Takasago
Los muñecos Takasago simbolizan la longevidad y la armonía de una relación matrimonial. El motivo es una pareja de ancianos, espíritus de Aioi no Matsu, un fenómeno donde los pinos masculinos y femeninos ("matsu") crecen entrelazados. El Aioi no Matsu simboliza así un fuerte lazo conyugal. En Japón, estas muñecas son populares como regalo de compromiso y también en ocasiones propicias.
Mokuhanga
¿Qué el mokuhanga?
Se trata de la impresión en madera que se utiliza en Japón (木 版画, moku-hanga). Se puede reconocer porque al inspeccionar una lámina por el dorso, pueden notarse las "manchas" de la tinta.
Es una técnica conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e de hojas sueltas, pero también se usó para imprimir libros en el mismo período.
Tiene su origen en China, donde se utilizó para imprimir libros durante siglos, y llegó a Japón en el periodo Edo (comprendido entre los años 1603 y 1868).
En esta técnica se utilizan tintas a base de agua, por ello se obtienen colores tan intensos y expresivos.
Toshusai Sharaku, retratista de actores de kabuki en xilografía japonesa
Moku-hanga, impresión en madera
La impresión en madera en Japón (木 版画, moku-hanga) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e de hojas sueltas, pero también se usó para imprimir libros en el mismo período. La impresión en madera había sido utilizada en China durante siglos para imprimir libros, mucho antes de la llegada del tipo móvil, pero fue ampliamente adoptada en Japón durante el período Edo (1603-1868).
A diferencia de la tradición occidental, donde los artistas usaban tintas a base de aceite para grabar en madera, la técnica moku-hanga usa tintas a base de agua. Es por eso que esas impresiones tenían colores tan vívidos, así como esmaltes y transparencias.